Soltaré cien conejos y usted verá cómo le hace para juntarlos todos
Felipe Mujica, Sandra Monterroso, Carolina Cordeiro, Shirley Paes Leme, Ricardo Alcaide, Yamandú Canosa y Vera Chaves Barcellos
Inauguración
28 de noviembre / 15h–19h
Exposición
28 de noviembre, 2024 -
14 de febrero, 2025
Zielinsky Barcelona se complace en presentar del 28 de noviembre, 2024 al 14 de febrero, 2025, “Soltaré cien conejos y usted verá cómo le hace para juntarlos todos”, exposición colectiva formada por los artistas Felipe Mujica, Sandra Monterroso, Carolina Cordeiro, Shirley Paes Leme, Ricardo Alcaide, Yamandú Canosa y Vera Chaves Barcellos.
El acto de tejer implica un movimiento del cuerpo (o de las máquinas) que guía el material hacia una red, donde las capas y niveles se superponen y se mezclan. Pero no solo la materia está implicada en el hecho de tejer, sino que el acto va más allá de una cuestión puramente material. El ritmo del tramado conduce a una serie de historias, oralidades, herencias y conocimientos compartidos entre generaciones. La labor, lo social, el ocio, el género, lo que está arriba y lo que está abajo, se mezclan de distintas maneras en este conjunto de obras: de la acción de tejer utilizando fibras naturales al uso de técnicas de impresión fotográfica.
El título de la exposición, “Soltaré cien conejos y usted verá cómo le hace para juntarlos todos”, proviene de la obra de Felipe Mujica (1974, Chile) presente en la exposición, que por su vez proviene del cuento náhuatl “El rey y su hija”. Mujica eligió una frase de esta fábula prehispánica para titular toda una série de obras producidas durante su estadía en la residencia artística La Tallera, en Cuernavaca, México. La fábula revela las estructuras sociales asociadas con los procesos de occidentalización; al mismo tiempo, el título le recuerda al artista su encuentro con la cooperativa SOAME Tejedoras de Hueyepan, quienes, al explicar sus procesos, utilizaban términos en su lengua originaria.
“Soltaré cien conejos y usted verá cómo le hace para juntarlos todos (Curtain 5)” (2022), precisamente la pieza de Mujica presente en la exposición, es una obra perteneciente a una serie de cortinas que incorporan los estudios del artista sobre la geometría poliangular desarrollada por David Alfaro Siqueiros en los años 40, y que fueron comisionadas por Mujica a la cooperativa SOAME Tejedoras de Hueyapan y al Tallerocho8 de Teotitlán del Valle, Oaxaca. El gesto de titular la muestra con un título ya utilizado anteriormente viene a raíz de las ideas presentes en la propia exposición: tejer, tramar, superponer.
Las formas geométricas de las cortinas de Felipe Mujica están directamente ligadas a una tradición constructiva, son colores y elementos combinados por el artista o dibujos apropiados de la historia del arte, de la vanguardia rusa a la latinoamericana. Sin embargo, esta composición abstracto-geométrica está sujeta a un trabajo colectivo, en el que costureras y artesanos trabajan con Mujica para crear otras combinaciones dentro de una cuadrícula preestablecida. El tejido aparece como material base, como soporte inicial para intervenciones posteriores: cortes, costuras y uniones. Hay una factura manual y una dimensión doméstica implícita en todo el proceso constructivo, casi siempre realizado de forma colectiva. Es inevitable pensar en el contraste de esta elaboración artesanal y espontánea en relación con la producción a gran escala de la industria textil.
El trabajo textil “Tejido 16” (2024) de la artista guatemalteca Sandra Monterroso (1954, Guatemala), ha sido teñido con tintes naturales que son los responsables por crear los tonos y la gama cromática de la pieza: el rojo es proveniente del achiote, el morado de la cochinilla y el azul de la indigofera. Las obras de esta serie abordan de manera política y social el despojo cultural, económico y territorial al que son sometidos los pueblos originarios como consecuencia de la implementación de actividades hegemónicas en la región del istmo centroamericano, cuyos recursos naturales, como la materia orgánica utilizada por la artista y por las generaciones pasadas, jugaron un papel central en la expansión de un nuevo orden global de explotación.
“América do Sal” (2024) de Carolina Cordeiro (1983, Brasil) es parte de una serie de trabajos desarrollados por la artista utilizando como materia el hilo de algodón tramado directamente sobre la pared. Esta trama sostiene pequeñas bolsas de sal que aluden a los “patuás”, un amuleto utilizado por las personas de las religiones afro diaspóricas que suelen ser llevados junto al cuerpo, muchas veces alrededor del cuello como un collar. La sal presente en el interior de las bolsas funciona como un elemento de purificación y limpieza y el tejido tramado alude a la expansión de un territorio.
Del mismo modo que Cordeiro, pero desde otros materiales, “Eco verde” (2024) de Yamandú Canosa (1954, Uruguay) también nos habla de un territorio. Una pintura formada por una sucesión de líneas en paralelo que se superponen a otras tantas líneas también en paralelo. Utilizando cintas cortadas en trozos longitudinales, el artista articula un campo pictórico donde los bordes se expanden y se chocan con los límites del propio lienzo. Los círculos presentes en la composición, como los agujeros negros de los fenómenos astronómicos, nos llevan al interior de la obra, en un territorio tan vasto como desconocido.
La exposición se expande a un interés por tejer en el espacio público, obras que comentan una perspectiva exterior o interfieren directamente en el paisaje. “System” (2016) de Ricardo Alcaide (1967, Venezuela) es una pintura que integra la investigación del artista cuya práctica ha explorado constantemente la relación entre la arquitectura y la precariedad económica. Su estética minimalista está influenciada por la arquitectura modernista y sus trabajos reflejan las implicaciones sociales del urbanismo y de la creación de guetos. Articulado entre lo poético y lo político, sus yuxtaposiciones de imágenes y objetos cuestionan cómo las personas encaran la exclusión económica y social en diferentes entornos.
“Dream Tunnel, Formas Lúdicas no Espaço (Playground)” (1979/1983) de Shirley Paes Leme (1955, Brasil) es una escultura pública, un parque dedicado al juego infantil. Desarrollado en la década de 1970, fue construido en un bosque en la ciudad de Uberlandia (Brasil) con materiales propios del entorno, maderas de los árboles caídos y, principalmente, ramas de media y pequeña envergadura. El proyecto buscaba crear un conjunto de grandes formas tejidas que, junto con sus valores estéticos, creaban una nueva concepción del juego para niños. La instalación-parque ha pasado por más de una generación hasta que fue removida por completo por el poder público sin motivo alguno en el año 2009. Ahora lo que queda son los registros, una vasta documentación con fotografías, bocetos y mapas sobre el desarrollo y uso de la instalación.
Por fin, “Epidermic Scapes”, desarrollada por Vera Chaves Barcellos (1938, Brasil) en la década de 1970, es un conjunto de imágenes de la piel de la artista, y de personas de su ámbito de convivencia, que han sido ampliadas hasta tal punto que su función indexical se pierde a medida que comienzan a tomar una apariencia más abstracta. La artista creó cada imagen aplicando tinta negra a diversas partes de su cuerpo sobre el cual luego frotó un pedazo de papel vegetal creando efectivamente un negativo que entonces amplió. Su intención siempre fue expandir las imágenes hasta tal punto que éstas pudieran desplegarse en el piso o pared de manera monumental. Nos acercamos a un patrón gráfico donde distintas manchas crean un paisaje terrestre visto desde el aire.
Soltaré cien conejos y usted verá cómo le hace para juntarlos todos
Felipe Mujica, Sandra Monterroso, Carolina Cordeiro, Shirley Paes Leme, Ricardo Alcaide, Yamandú Canosa and Vera Chaves Barcellos
Opening
November 28 / 3–7pm
Exhibition
November 28, 2024 -
February 14, 2025
Zielinsky Barcelona is pleased to present, from November 28, 2024, to February 14, 2025, “Soltaré cien conejos y usted verá cómo le hace para juntarlos todos” a group exhibition featuring works by Felipe Mujica, Sandra Monterroso, Carolina Cordeiro, Shirley Paes Leme, Ricardo Alcaide, Yamandú Canosa and Vera Chaves Barcellos.
The act of weaving involves a movement of the body (or machines) that guides the material into a network where layers and levels overlap and intertwine. However, it is not just matter that is implicated in the act of weaving; the gesture transcends a purely material question. The rhythm of weaving evokes a series of stories, oral traditions, heritages, and knowledge shared across generations. Labor, social interaction, leisure, gender, and the dynamics of what is above and below mix in various ways in this collection of works—from weaving with natural fibers to using photographic printing techniques.
The title of the exhibition, “Soltaré cien conejos y usted verá cómo le hace para juntarlos todos”, is derived from Felipe Mujica’s work (b. 1974, Chile), included in the exhibition, which itself references the Nahuatl tale The King and His Daughter. Mujica chose a phrase from this pre-Hispanic fable to title a series of works he produced during his residency at La Tallera, Cuernavaca, Mexico. The fable reveals social structures associated with processes of Westernization, while the title also reminds the artist of his encounter with the SOAME Tejedoras from Hueyapan cooperative, who, when explaining their processes, often used terms from their indigenous language.
"Soltaré cien conejos y usted verá cómo le hace para juntarlos todos (Curtain 5)" (2022), Mujica's piece in the exhibition, belongs to a series of curtains that incorporate his studies on polyangular geometry, developed by David Alfaro Siqueiros in the 1940s. These works were commissioned by Mujica to the SOAME Tejedoras from Hueyapan cooperative and Tallerocho8 from Teotitlán del Valle, Oaxaca. The decision to use a previously applied title for this exhibition aligns with its themes: weaving, threading, and layering.
The geometric forms of Mujica's curtains are directly linked to a constructive tradition—colors and elements combined by the artist or appropriated from art history, ranging from Russian to Latin American avant-garde movements. However, this abstract-geometric composition is subject to a collective process in which seamstresses and artisans collaborate with Mujica to create other combinations within a pre-established grid. Weaving emerges as a foundational material and initial support for subsequent interventions: cuts, stitches, and joints. There is a handcrafted and domestic dimension implicit in the construction process, often carried out collectively. It is impossible not to reflect on the contrast between this artisanal and spontaneous method and the large-scale production of the textile industry.
The textile work "Tejido 16" (2024) by Guatemalan artist Sandra Monterroso (b. 1954, Guatemala) is dyed with natural pigments responsible for its tones and chromatic range: red from annatto, purple from cochineal, and blue from indigofera. This series addresses the political and social issues of cultural, economic, and territorial dispossession endured by Indigenous peoples due to the imposition of hegemonic activities in Central America's isthmus region. Natural resources, like the organic materials used by Monterroso and past generations, played a central role in the expansion of a new global order of exploitation.
"América do Sal" (2024) by Carolina Cordeiro (b. 1983, Brazil) is part of a series of works developed with cotton threads woven directly onto walls. This weave holds small salt-filled pouches, alluding to patuás, amulets used in Afro-diasporic religions often worn around the body, sometimes as necklaces. The salt within the pouches symbolizes purification and cleansing, while the woven structure refers to the expansion of territory.
Similarly addressing territory but through different materials, "Eco Verde" (2024) by Yamandú Canosa (b. 1954, Uruguay) is a painting composed of overlapping parallel lines. Using longitudinally cut ribbons, the artist creates a pictorial field where the edges expand and clash with the canvas's limits. The circles in the composition, reminiscent of black holes in astronomical phenomena, draw the viewer into the work, presenting a territory as vast as it is unknown.
The exhibition extends into an interest in weaving within public spaces, featuring works that offer external perspectives or directly interfere with the landscape. "System" (2016) by Ricardo Alcaide (b. 1967, Venezuela) is a painting that integrates his exploration of the relationship between architecture and economic precariousness. His minimalist aesthetic is influenced by modernist architecture, with works reflecting the social implications of urbanism and the creation of ghettos. Poetic and political, his juxtaposition of images and objects questions how people confront economic and social exclusion in different environments.
"Dream Tunnel, Formas Lúdicas no Espaço (Playground)" (1979/1983) by Shirley Paes Leme (b. 1955, Brazil) is a public sculpture and children’s playground. Developed in the 1970s, it was built in a forest in Uberlândia, Brazil, using mainly medium and small sized branches from a fallen tree. The project aimed to create large woven forms that, alongside their aesthetic values, proposed a new concept of play for children. The installation lasted through generations until it was entirely removed by the authorities without reason in 2009. What remains are records, extensive documentation with photographs, sketches, and maps of the installation’s development and use.
Finally, "Epidermic Scapes" by Vera Chaves Barcellos (b. 1938, Brazil), developed in the 1970s, consists of enlarged images of her skin and those close to her. These images lose their indexical function as they become more abstract. Barcellos created each image by applying black ink to various body parts, pressing them onto tracing paper to create negatives, which were then enlarged. Her intention was always to expand these images to a monumental scale, displayed on walls or floors. They form a graphic pattern where different marks resemble an aerial view of terrestrial landscapes.
Soltaré cien conejos y usted verá cómo le hace para juntarlos todos
Felipe Mujica, Sandra Monterroso, Carolina Cordeiro, Shirley Paes Leme, Ricardo Alcaide, Yamandú Canosa i Vera Chaves Barcellos
Inauguració
28 de novembre / 15h-19 h
Exposició
28 de novembre, 2024
- 14 de febrer de 2025
Zielinsky es complau a presentar del 28 de novembre de 2024 al 14 de febrer de 2025, “Soltaré cien conejos y usted verá cómo le hace para juntarlos todos”, una exposició col·lectiva amb obres dels artistes Felipe Mujica, Sandra Monterroso, Carolina Cordeiro, Shirley Paes Leme, Ricardo Alcaide, Yamandú Canosa i Vera Chaves Barcellos.
L’acte de teixir implica un moviment del cos (o de les màquines) que guia el material cap a una xarxa, on les capes i nivells se superposen i es barregen. Però no només la matèria està implicada en el fet de teixir, sinó que aquest acte va més enllà d’una qüestió purament material. El ritme del teixit condueix a una sèrie d’històries, oralitats, herències i coneixements compartits entre generacions. La labor, el social, l’oci, el gènere, el que és a dalt i el que és a baix es barregen de diverses maneres en aquest conjunt d’obres: des de l’acció de teixir utilitzant fibres naturals fins a l’ús de tècniques d’impressió fotogràfica.
El títol de l’exposició, “Soltaré cien conejos y usted verá cómo le hace para juntarlos todos”, prové de l’obra de Felipe Mujica (1974, Xile) present a la mostra, que al seu torn es basa en el conte nàhuatl “El rei i la seva filla”. Mujica va escollir una frase d’aquesta faula prehispànica per titular tota una sèrie d’obres produïdes durant la seva estada a la residència artística La Tallera, a Cuernavaca, Mèxic. La faula revela les estructures socials associades als processos d’occidentalització; al mateix temps, el títol li recorda a l’artista el seu encontre amb la cooperativa SOAME Tejedoras de Hueyapan, que, en explicar els seus processos, utilitzaven termes en la seva llengua originària.
“Soltaré cien conejos y usted verá cómo le hace para juntarlos todos (Curtain 5)” (2022), precisament l’obra de Mujica present a l’exposició, forma part d’una sèrie de cortines que incorporen els estudis de l’artista sobre la geometria poliangular desenvolupada per David Alfaro Siqueiros als anys quaranta. Aquestes cortines van ser encarregades per Mujica a la cooperativa SOAME Tejedoras de Hueyapan i al Tallerocho8. El gest de titular l’exposició amb un títol reutilitzat prèviament neix de les idees presents en la pròpia mostra: teixir, tramar, superposar.
Les formes geomètriques de les cortines de Felipe Mujica estan directament lligades a una tradició constructiva: són colors i elements combinats per l’artista o dibuixos apropiats de la història de l’art, des de l’avantguarda russa fins a la llatinoamericana. Tanmateix, aquesta composició abstracte-geomètrica es basa en un treball col·lectiu, en què costureres i artesans treballen amb Mujica per crear altres combinacions dins d’una quadrícula preestablerta. El teixit apareix com a material base, com a suport inicial per a intervencions posteriors: talls, costures i unions. Hi ha una manufactura manual i una dimensió domèstica implícita en tot el procés constructiu, gairebé sempre realitzat de manera col·lectiva. És inevitable pensar en el contrast entre aquesta elaboració artesanal i espontània i la producció a gran escala de la indústria tèxtil.
El treball tèxtil “Tejido 16” (2024) de l’artista guatemalenca Sandra Monterroso (1954, Guatemala) ha estat tenyit amb tints naturals que són els responsables de crear els tons i la gamma cromàtica de la peça: el vermell prové de l’achiote, el morat de la cotxinilla i el blau de l’indigofera. Les obres d’aquesta sèrie aborden de manera política i social l’espoli cultural, econòmic i territorial al qual són sotmesos els pobles originaris com a conseqüència de la implementació d’activitats hegemòniques a la regió de l’istme centreamericà, els recursos naturals del qual, com la matèria orgànica utilitzada per l’artista i per les generacions passades, van jugar un paper central en l’expansió d’un nou ordre global d’explotació.
“América do Sal” (2024) de Carolina Cordeiro (1983, Brasil) forma part d’una sèrie de treballs desenvolupats per l’artista utilitzant com a material el fil de cotó teixit directament sobre la paret. Aquesta trama sosté petites bosses de sal que al·ludeixen als patuás, un amulet utilitzat per les persones de religions afrodiaspòriques que solen portar-se sobre el cos, sovint al voltant del coll com un collar. La sal present a l’interior de les bosses funciona com un element de purificació i neteja, i el teixit al·ludeix a l’expansió d’un territori.
Amb un enfocament similar però amb altres materials, “Eco verde” (2024) de Yamandú Canosa (1954, Uruguai) ens parla també d’un territori. Es tracta d’una pintura formada per una successió de línies en paral·lel que se superposen a altres línies també en paral·lel. Utilitzant cintes tallades longitudinalment, l’artista articula un camp pictòric on els límits es dilaten i xoquen amb els marges del propi llenç. Els cercles presents en la composició, semblants als forats negres dels fenòmens astronòmics, ens condueixen a l’interior de l’obra, un territori tan vast com desconegut.
L’exposició s’expandeix amb un interès per teixir en l’espai públic, amb obres que comenten una perspectiva exterior o intervenen directament en el paisatge. “System” (2016) de Ricardo Alcaide (1967, Veneçuela) és una pintura que s’integra en la investigació de l’artista, la pràctica del qual ha explorat constantment la relació entre l’arquitectura i la precarietat econòmica. La seva estètica minimalista està influenciada per l’arquitectura modernista, i les seves obres reflecteixen les implicacions socials de l’urbanisme i de la creació de guetos. Articulada entre el poètic i el polític, les seves juxtaposicions d’imatges i objectes qüestionen com les persones afronten l’exclusió econòmica i social en diferents entorns.
“Dream Tunnel, Formes Lúdiques no Espaço (Playground)” (1979/1983) de Shirley Paes Leme (1955, Brasil) és una escultura pública, un parc dedicat al joc infantil. Desenvolupat a la dècada de 1970, va ser construït en un bosc de la ciutat d’Uberlândia (Brasil) amb materials propis de l’entorn, fustes d’arbres caiguts i principalment branques de mida mitjana i petita. El projecte buscava crear un conjunt de grans formes teixides que, juntament amb els seus valors estètics, creaven una nova concepció del joc per a infants. La instal·lació-parc va ser utilitzada durant més d’una generació fins que va ser eliminada sense cap motiu pel poder públic l’any 2009. Ara només en queden els registres: una vasta documentació amb fotografies, esbossos i mapes sobre el desenvolupament i ús de la instal·lació.
Finalment, “Epidermic Scapes”, desenvolupada per Vera Chaves Barcellos (1938, Brasil) a la dècada de 1970, és un conjunt d’imatges de la pell de l’artista i de persones del seu entorn, ampliades fins al punt que la seva funció índex es perd i comencen a prendre una aparença més abstracta. L’artista va crear cada imatge aplicant tinta negra a diverses parts del seu cos, sobre les quals després fregava un tros de paper vegetal, creant efectivament un negatiu que més tard ampliava. La seva intenció era expandir aquestes imatges fins a convertir-les en peces monumentals que es poguessin desplegar al terra o a la paret. S’apropa així a un patró gràfic on diverses taques creen un paisatge terrestre vist des de l’aire.
